Russian libertine – Venäjän vapain mies

17.5.2012 kello 13:52, kirjoittaja: saarela
Juha Myllymäen dokumenttia varten ottama kuva kirjailija Viktor Jerofejevista.

Juha Myllymäen dokumenttia varten ottama kuva kirjailija Viktor Jerofejevista.

”On hävyttömän hauskaa olla vapain ihminen maailman naurettavimmassa maassa.”

Viktor Jerofejev

Ohjaaja Ari Matikaisen dokumentin alussa Viktor Jerofejev kertoo olevansa Venäjän vapain mies ja laittaa tupakaksi. Sen jälkeen rööki savuaa Jerofejevin suupielessä melkein joka otoksessa.

Kuvat kertovat, että vapaus on aina suhteellista. Venäjän vapainkin ihminen on ainakin jossain määrin huonojen tapojensa orja.

Nuori Jerofejev oli Neuvostoliitossa kirjailijoiden sensuroimattoman Metropol-kirjallisuuslehden toimittajana tunnettu toisinajattelija ja sekä rakastettu että vihattu dissidentti hän on yhä myös Putinin Venäjällä.

Neljä Jerofejevin romaaneista on myös tähän mennessä suomennettu. Silti hänen ajatuksiaan tunnetaan meillä todennäköisesti hyvin vain asiaan vihkiytyneiden joukossa.

Matikaisen dokumentissa erittäin selkeäsanainen ja johdonmukainen Jerofejev poistaa ainakin osan niistä norsun mentävistä yleissivistyksen aukoista, joita meikäläisen tietämyksessä on sekä venäläisen nykykirjallisuuden että maan lähihistorian suhteen.

Se mitä Jerofejev sanoo Venäjän nykytilasta, on jotakin todella pelottavaa. Hänen mukaansa äärinationalismiin perustuvat poliittiset liikkeet nauttivat Venäjällä hyvin laajaa kansan syvien rivien kannatusta ja odottavat vain tilaisuutta nousta valtaan. Jos Jerofejevia on uskominen, venäjän kansa voi milloin tahansa äänestää (!) valtaan Josif Staliniakin pahemman hirmuhallitsijan.

Tämän vuoksi presidentti Vladimir Putinin hallinnon ehkä kriitikkona tunnettu Jerofejev pitää Putinia välttämättömänä pahana. Venäläisellä mittapuulla Putin ei ole mikään äärikonservatiivi tai nationalisti. Jerofejevin mukaan Putin on ajatuksiltaan liberaalimpi henkilö kuin 80 prosenttia venäläisistä.

Jerefejev pudottelee dokumentissa rauhallisella äänellä Venäjän todellisuudesta näkemyksiä, jotka nostavat tällaisen tavallisen suomalaisen sukankuluttajan hiukset pystyyn silkasta kauhusta. Venäjä on todella maailman ”naurettavin maa”, jossa kirjailija löytää loputtomasti uusia inspiraation aiheita, mutta jossa maan asukkaiden on mahdoton elää.

Dokumenttia on kritiikeissä moitittu siitä, että siinä on liikaa puhuvia päitä. Itse olisin mielelläni kuullut ja nähnyt vielä paljon enemmän, mitä Jerofejevilla ja hänen pikkuveljellään Andrei Jerofejevilla ja kirjailijakollega Vladimir Sorokinilla on sanottavanaan.

Matikaisen sujuvassa kuvallisessa kerronnassa puhuvat päät vaihtuvat nopeassa rytmissä kuviksi, joissa keskeisiä elementtejä ovat liikennevirrat Moskovan ruuhkaisilla kaduilla, syksyn presidentinvaalien jälkeen järjestetyt laajat mielenositukset ja sähköiset kuvat yökerhoista, joissa kaupallinen seksi rehottaa.

Moskova on Venäjän vallan keskus, mutta kaupunkikuvien keskeinen elementti ei ole Kreml kuten jotkut arvostelijatkin ovat erehtyneet luulemaan, vaan Moskovan yliopisto, joka on nostettu näkyvästi esille myös dokumentin julisteessa.

Jerofejev valmistui kirjallisuustieteen kandidaatiksi Moskovan yliopistoista vuonna 1970. Moskovan yliopisto oli myös vielä 70-luvulla vasemmistoradikalismin kyllästämässä maailmassa juuri se paikka, jossa kaikkein tehokkaimmin nuoria idealisteja käännytettiin antikommunisteiksi, jos Moskovassa kirjallisuutta opiskelleen Jukka Mallisen viljelemää anekdoottia on uskominen.

Reaalisosialismin todellisuus avasi nopeasti jokaisen älykkään ja itselleen rehellisen ihmisen silmät.

Moskovan yliopiston päärakennus on myös yksi Stalinin hampaista, hirmuhallitsijan Moskovaan rakennuttamista seitsemästä pilvenpiirtäjästä.

Jerofejevin isä Vladimir Jerofejev työskenteli Kremlin sisäpiirissä ulkoministeri Vjatsheslav Molotovin avustajana ja Stalinin tulkkina. Hän loi merkittävän uran neuvostoliittolaisena diplomaattina ja hänestä tuli muun muassa YK:n lastensuojelujärjestön Unescon varapääjohtaja. Muun muassa Pariisissa diplomaattina työskennellyt isä Jerofejev oli jo nousemassa hierarkian huipulle, Neuvostoliiton apulaisulkoministeriksi, kun hänen poikansa julkinen toisinajattelu tuhosi miehen koko uran.

Tämä Jerofejevin tekemä ”isänmurha” on Matikaisen dokumentin toinen kantava teema.

Isä antoi pojalle anteeksi. Näin Jerofejev saa todistaa dokumentissa. Pojan on ollut vaikea antaa itselleen anteeksi.

Dokumentin katsojan mielessä herää puolestaan epäilys. Miten isä Jerofejev on voinut toimia niin pitkään vallan ytimessä ryvettymättä yltä päätä viattomien vereen. Jerofejevin on täytynyt olla täysin tietoinen siitä, että hänen edustamansa hallinto orjuutti ja murhautti miljoonia oman maan kansalaisia.

Isää ja poikaa ei tietenkään saa irrottaa noin vain heidän omasta kontekstistaan. Stalinin ajan Neuvostoliittoa on lähes mahdoton ymmärtää ainakaan tunnetasolla, jos ei itse ole elänyt tuota historiallista ajanjaksoa.

Sama pätee tietenkin myös tämän päivän Venäjään ja jopa kieleen. Kun Jerofejev puhuu venäläisten talonpoikasesta mentaliteetista Venäjän syvien yhteiskunnallisten ongelmien taustatekijänä, talonpoikaisuus ei suinkaan tarkoita samaa kuin talonpoikaisuus Suomessa.

Jerofejev viittaa vuosisatoja jatkuneen maaorjuuden jättämään henkiseen perintöön, kun hän puhuu talonpoikaisesta mentaliteetista ja siitä, miten näille venäläisille Stalin oli ja on yhä jumala, jonka tekoja ei ole mitään syytä arvioida tai arvostella.

Venäläisille historia on ollut kova koulu. Venäläiset ovat olleet sekä valloittajia että hyökkääjien julmuuksien uhreja. Kun tiedämme, miten syvät jäljet meihin suomalaisiin esimerkiksi kansalaissodan kauheudet jättivät, voimme vain kuvitella, miten syvä trauma Venäjällä on jäänyt ihmisten mieliin viime vuosisadan tapahtumista.

Kansanluonteesta puhuminen on tietenkin löysää puhetta ja vielä pehmeämmälle alueelle mennään, kun puhutaan venäläisestä sielusta. Toisaalta myös kansantaloustieteilijöiden hellimä ajatus ihmisestä aina rationaalisia valintoja toteuttavan olentona on samanlainen myytti.

Dokumentissa kerrotaan isä Jerofejevin surreen sitä, että reaalisosialismin kaatuessa menetettiin illuusio siitä, että on mahdollista rakentaa aidosti oikeudenmukainen yhteiskunta. Poika Jerofejevin mielestä venäjällä sosialismin perinnön omiin taskuihinsa haalineet oligakit eivät ole vain tarpeellisia, vaan suorastaan välttämättömiä Venäjälle.

Yhden (Mihail Hodorkovski?) tai kaksi oligarkia voi laittaa vankileirille, mutta ei kaikkia. Huolehtiessaan itsestään ja omaisuudestaan oligarkit pitävät Jerofejevin mielestä huolta myös Venäjästä.

Karl Marxin teorioista ja niiden pohjalta kehitetyistä yhteiskunnallisista ja humanistisista kokeiluista kehkeytyi viime vuosisadan pahin elämänvalhe miljoonille ihmisille.  Saa nähdä, mitä ihmiset mahtavat ajatella tämän vuosisadan lopulla esimerkiksi Milton Friedmanista ja Chicagon koulukunnasta, tai suuren suomalaisen ajettelijan Björn Wahlroosin ajatuksia tapaillen, ihmiskunnan suurimpana innovaationa kautta aikojen pidetystä kapitalismista yli päätään.

Jerofejev on varmasti ihminen, josta on lähes mahdoton olla pitämättä, niin palavasti kuin muun muassa Nashi-nuoret häntä Venäjällä vihaavat. Mies viljelee huumoria, joka on ominaislaadultaan usein mustaakin mustempaa. ”On hävyttömän hauskaa olla vapain ihminen maailman naurettavimmassa maassa.”

Tutkielmansa Jerofejev teki Moskovan yliopistossa Fjodor Dostojevskista ja ranskalaisesta eksistentialismista. Hänen havaintoihinsa kuuluu tämän päivän elämänmenosta muun muassa se, että Putinin hallinto on antanut ainakin osalle venäläisistä ensimmäisen kerran maan historiassa mahdollisuuden yksityiselämään. Tämä mahdollisuus on myös Putinin aidon ja laajan kannatuksen syy.

Matikaisen työssä on varmaan omat puutteensa, mutta ainakin yhdessä suhteessa Russian libertine – Venäjän vapain mies on hyvin vaikuttava dokumenttielokuva. Se herättää katsojassa voimakkaan tunnetilan. Tuo tunne on ahdistava epäily.

Tärppejä Imatran teatterifestareille

4.5.2012 kello 14:43, kirjoittaja: saarela
Mr. Pejo's Wandering Dolls esiintyy perjantaina Koskenpartaalla Imatrankoskella. Kuva Mustan ja valkoisen teatterifestivaali

Mr. Pejo's Wandering Dolls esiintyy perjantaina Koskenpartaalla Imatrankoskella. Kuva Mustan ja valkoisen teatterifestivaali

Mustan ja valkoisen teatterifestivaali hämmentää jälleen kansainvälisten vierailijoiden määrällä ja laadulla. Festivaaleille on tulossa toistakymmentä ryhmää kahdeksasta eri maasta.

Se kertoo jotakin festivaalien järjestäjien kyvystä verkostoitua. Imatralaiset Katri Lätt ja Kamran Shahmardan ovat teatteri-ihmisiä, jotka osaavat tehdä ihmeitä.

Katrin mukaan tulijoita olisi ollut enemmänkin. Ohjelmistosta jouduttiin jättämään pois lähes puolentusinaa kansainvälistä vierailua siksi, että festivaalin taloudelliset reunaehdot tulivat vastaan. Jo nyt festivaali toteutetaan suurella taloudellisella riskillä.

Venäläisiä ryhmiä tulee useita, mikä ei ole ainakaan huono uutinen imatralaisten kannalta. Ei oikeastaan ei puutu muuta kuin tehokas kanava, jolla festivaalin tarjontaa voitaisiin markkinoida Etelä-Karjalassa asuville ja täällä festivaalin aikana matkaileville venäläisille.

Ainakin aikaisempina vuosina ryhmien esityksissä esityskieli on muuttunut tarpeen vaatiessa englanniksi tai jopa suomeksi. Jokainen viime kevään festivaalien avajaisissa istunut muistaa varmaan vielä hyvin pietarilaisen Comic-Trustin riemastuttavan esityksen.

Vaikka en tunne tämä vuonna festivaaleilla esiintyviä ryhmiä lainkaan, olen valmis lyömään vetoa, että kun esimerkiksi Mr. Pejo’s Wandering Dolls päästetään Imatralla irti, nauruhermot ja pallealihakset ovat jälleen kovalla koetuksella. Ryhmällä on näköä kokoa ja valtavasti kansainvälistä festivaalikokemusta.

Heino Seljamaan Matkalaukkuteatteri esiintyy sekä suomen kielellä, mikä on tietenkin myös tarpeen, koska esitys on tarkoitettu meille kaikille kolmivuotiaista ylöspäin. Lastenteatteri esittää myös nürnbergiläisen Thalias Kompangnonsin esitys Mitä punainen tekee torstaina?

Avajaisissa esiintyy tiistaina pietarilainen, kokeellista teatteria tekevä AKHE Group. Ryhmän esityksissä ei ole lainkaan puhetta, joten sen ymmärtäminen jää mitä suurimmassa määrin oman tunneälyn ja mielikuvituksen varaan. Kysymyksessä on joka tapauksessa esitys, jota ei missään tapauksessa kannata jättää väliin. Omat odotukseni ovat korkealla.

Tiistai-iltana on luvassa todellinen harvinaisuus Suomessa, Azerbaidzhanin valtion teatteri YUG. Esityksen nimi on festivaaliohjelmassa Shalom from Kafka, mutta sen esityskieli on azeri. Tuberkuloosiin nuorena kuolleen ja vasta kuolemansa jälkeen kirjailijana maailmanmaineeseen nousseen Franz Kafkan kirjeistä on varmaan kysymys ja esitys on viety Imatralla ravintolaympäristöön Ravintola Iivariin.

Kemerovo Oblast Drama Theatre of A.V. Lunachrski tulee Imatralle aina Siperiasta asti. Keskellä Siperiaa sijaitsevan Kemerovon alueen oma teatteri on perustettu jo neuvostovallan aikana 1934. Ryhmän esitys Cellofan on joka tapauksessa paljon tuoreempaa kamaa. Tästä naisellisesta stand up komiikasta saa todennäköisesti kaikki mehut irti vain, jos osaa hyvin venäjää.

Samaan sarjaan kuuluu mitä suurimmassa määrin pietarilaisen Baltiski Domin  Ilja Iljitshin elämä. Venäjäksi esitettävällä draamalla on mittaa kolme tuntia ja kymmenen minuuttia.

Keskiviikkona illalla nähdään japanilaissuomalaisen Ken Main buto-esitys. Esityksen sisältöön voi tutustua vaikka lukemalla Jussi Tossavaisen arvostelu Hesarin verkkolehdestä.

Naisia hermoromahduksen partaalla

9.4.2012 kello 17:51, kirjoittaja: saarela
Leena Nuora, Henriikka Salo ja Annaleena Sipilä. Kuva Patrik Pesonius/Q-teatteri

Leena Nuora, Henriikka Salo ja Annaleena Sipilä. Kuva Patrik Pesonius/Q-teatteri

Q-teatterin Minna Nurmelin ja Annu Valonen kirjoittavat psykologisesti osuvaa ja tarkkarajaista draamaa. On vanhin tytär, joka ottaa sisarusparvessa vallan käskeä ja kantaa vastuuta esikoisen oikeudella ja velvollisuudella. On keskimmäinen tytär, joka potee ”väärää” sukupuoltaan, vanhempien enemmän tai vähemmän salattua toivetta poikalapsesta, ja on nuorin sisar, se kympin tyttö, joka purkaa paineita suorittamiseen.

Tietenkin on myös ”jääkaappiäiti”, joka tarinan alussa tekee kuolemaa ja tyttärentytär, joka paikkaa alkoholistiäitinsä aiheuttamia mielenkolhuja illuusiolla kaikkivoipaisuudesta.

Nurmelin ja Valonen väistävät kuitenkin taitavasti tällaiseen asetelmaan liittyvät karikot. Q-teatterin Harvala on esitys, jota ei tarvitse psykologisoida. Näytelmä vakuuttaa katsojan omalla esteettisellä voimallaan. Harvala on kiinnostava esitys, jossa näyttelijöiden vahva läsnäolo, tarkka näytteleminen ja Nurmelinin ohjauksen loppuun asti ajateltu näkemys vakuuttavat.

Harvala on erinomaista teatteria. Se on Helsingissä viime aikoina näkemistäni esityksistä kiinnostavin tulkinta nyt vahvasti framilla olevasta kolmen sukupolven tematiikasta (Kom-teatterin Totta, Kansallisteatterin Pikkujättiläinen).

Katsojan mielikuvitusta ruokkii Annukka Pykäläisen upea lavastus ja tämän kokonaisuuden kruunaa Ville Seppäsen ja Teemu Nurmeliinin suunnittelema valaistus.

Koko näyttämöä peittää suuri, mustasta muovista tehty allas ja muutaman senttimetrin vahvuinen vesikerros. Vesi on elementti, johon liittyy merkityksiä joka lähtöön. Mutta jo veden pinnan heijastukset tekevät näyttämökuvista huikean kauniitta.

Toisaalta näyttämölle röykkiöiksi kasattu, käytetyistä autonrenkaista ja muusta rojusta kootut kasat kertovat meidän kulttuurimme toisesta laidasta. Merikarvian kunta mainostaa saaristoaan Suomen aurinkoisimpana, mutta silti Harvala voi olla sekä taivas että helvetti maan päällä. Tuhlaamiseen ja luonnonvarojen riistoon perustuvan yhteiskunnan jätevuoret saartavat meitä kuin ahtojäät saariston asukkaita kelirikkoaikaan.

Leena Nuora, Henriikka Salo, Annaleena Sipilä, Annu Valonen ja Outi Kavén näyttelevät upeasti. Roolitöistä ei löydä hakemallaankaan yhtään maneeria tai virtuositeettiin tähtäävää yliyrittämistä. Näytelmän lakonisesta tyylistä irtoaa myös tarinan rivien väliin piilotettu musta huumori.

Itse näin esityksen, jossa Harvalaa näyteltiin lähes tyhjälle katsomolle. Se ei ollut varmasti paras mahdollinen lähtökohta esitykselle. Hyvä teatteri perustuu aina vahvaan vuorovaikutukseen näyttelijöiden ja yleisön välillä.

Toivottavasti kysymys oli poikkeuksellisesta illasta. Olisi todella sääli, jos yleisö ei löydä tätä esitystä.

Suurten ikäluokkien uranaisille luetaan lakia

8.4.2012 kello 22:04, kirjoittaja: saarela
Kuvassa vasemmalta Laura Malmivaara, Eero Milonoff ja Vilma Melasniemi. Kuva Noora Geagea/Kom-teatteri

Kuvassa vasemmalta Laura Malmivaara, Eero Milonoff ja Vilma Melasniemi. Kuva Noora Geagea/Kom-teatteri

Elämää suurempi rakkaus on viihdelukemistojen vakioaiheita. Riikka Pulkkisen Totta eroaa Harlekiineista tarinan kerroksellisuuden ansiosta. Eikä tämän suuren rakkauden kohdekaan ole ihan tavallinen.

Suuriin ikäluokkiin kuuluvat uraäidit ovat joutuneet heidän tyttären tyttäriensä suurennuslasin alle. Hirviöäidit ja -isoäidit on aihe, joka on jollakin tavalla ajan hermolla.

Pulkkisen lisäksi teatterissa kolmen eri sukupolven naisten tematiikkaan ovat tarttuneet esimerkiksi Minna Nurmelin ja Annu Valonen Q-teatterin näytelmässä Harvala ja Paula Salminen näytelmässä 13 uponnutta vuotta, joka menee parhaillaan Kansallisteatterin pienellä näyttämöllä.

Oikeastaan sama teema, äitien vahva sitoutuminen omaan uraansa ja sen seuraukset on vahvasti esillä myös Katja Krohnin Kansallisteatteri kirjoittamassa ja ohjaamassa Pikkujättiläisessä.

Nuoret kirjailijat seuraavat Sofi Oksasen jalanjälkiä. Alun perin näytelmäksi kirjoitettu Puhdistus on selvästi toiminut monen uuden tekstin katalysaattorina.

Kom-teatterille Pulkkisen romaanin on dramatisoinut Anna Viitala.

Ehdottomasti kiinnostavin hahmo Kalle Chydeniuksen ohjaamassa näytelmässä on Marja Packalénin näyttelemä isoäiti. Elsa on psykologian tohtori, joka on luonut kansainvälisen uran lastenpsykologian asiantuntijana.

Näytelmän alussa kerrotaan, että Elsa sairastaa syöpää ja kuoleminen on tämän tarinan Elsalle yksi suoritus muiden huippusuoritusten joukossa.

Laura Malmivaara näyttelee ylivertaisuudellaan dominoivan äidin ja taiteilijaisän välissä kasvanutta pariskunnan ainoaa lasta Ellaa.

Pulkkisen tarinan näkijä ja kokija on Ellan tytär Anna, jonka ihmissuhdepulmien kautta päästään tämän perheen suuren salaisuuden jäljille. Perheen taiteilijaisällä on ollut rakkaussuhde nuorena Ellan ollessa vielä pieni lapsi perheen kotiapulaiseen Eevaan.

Syvyyttä tarina saa näyttämöllä siitä, että Vilma Melasniemi näyttelee, ja hyvin näytteleekin sekä Annaa että Eevaa. Tämä ei ole mikään samea piste, vaan tarinan ydinajatus, jossa on suorastaan raamatullista poljentoa: isien (lue äitien) pahat teot kostetaan aina kolmanteen ja neljänteen polveen.

Chydenius on jakanut isä Martin roolit niin, että nuorta rakkauteen addiktoitunutta taiteilijaisää näyttelee Eero Milonoff ja suurten ikäluokkien luopumisrituaaleja toistavaa ikääntynyttä Marttia Pekka Valkeejärvi.

Tällaisen ikävammaisen on tietenkin helppo suhtautua Pulkkisen romaaniin ja Viitalan siitä sovittamaan näytelmään hieman pilkallisesti. Se ei kuitenkaan tee oikeutta tarinalle eikä Kom-teatterin näytelmälle. Pulkkinen kirjoittaa asioista, jotka varmasti koetaan kipeiksi alle kolmekymppisten, kolmannen sukupolven naisten keskuudessa.

Näytelmän Elsa dominoi koko perhettä. Hänen tyttärensä alistuu ja tyttärentytär sairastuu psyykkisesti. Pulkkisen näkökulma on kiinnostava, kun tiedämme, miten huonosti osa tämän päivän nuorista ja nuorista aikuisista voi.

Pulkkisella, Viitalalla ja Chydeniuksella on tärkeää sanottavaa. Kom-teatterilla on myös pitkät traditiot siitä, miten nuoreen yleisöön menevä esitys laitetaan pystyyn.

Toisaalta näytelmän asetelmallisuus vie esityksestä sen parhaan terän. Tai veisi, ellei salaperäisen Eevan suureen rakkauteen liittyisi melkoinen yllätys.

Iron Sky

3.4.2012 kello 22:35, kirjoittaja: saarela
Samuli Torssosen vetämän Energia.-tiimin tietokonegrafiikka on hienoa.  Kuva Mika Orsamaa

Samuli Torssosen vetämän Energia.-tiimin tietokonegrafiikka on hienoa. Kuva Mika Orsamaa

Amerikkalainen, science fictionin suuriin nimiin kuuluva kirjailija Robert A. Heinlein julkaisi vuonna 1947 romaanin Rocket Ship Galileo. Kirjassa teini-ikäiset sankarit lentävät yhdessä Nobel-palkitun fyysikon kanssa atomikäyttöisellä avaruusaluksella Kuuhun ja löytävät sieltä natsien salaisen tukikohdan. Neuvokkuudellaan pojan pelastavat lopulta maan asukkaan natsien uhkaavalta hyökkäykseltä.

Iron Skyn ”alkuperäisidean” on keksinyt Jarmo Puskala. Ohjaaja Timo Vuorensolan mukaan Puskala sai inspiraation ideaansa verkossa ilmestyvän Parking Lot Is Full -sarjakuvasivuston tripistä, jossa TV-päinen Hitler laulaa iskelmää.

Täydet pisteet Vuorensolan ja kumppaneiden Iron Sky ansaitsee joka tapauksessa  siitä, että se on aito genre-elokuva, eikä yritä teeskennellä mitään muuta. Scifi-elokuvien alalajeista se edustaa niin kutsuttua avaruusoopperaa, jossa ihmiskunnan kohtaamat kummajaiset eivät ole Alfa Centaurin, vaan terveen järjen tuolta puolen.

Näillä avaruusoopperoilla ei mitään yhteistä tieteen kanssa, vaan ne ovat sukua ritariromantiikalle, villinlännentarinoille ja merirosvoseikkailuille, joita painokoneisiin perustunut viihdeteollisuus työnsi markkinoille 1800-luvulla.

Elokuvan alkuperäinen käsikirjoitus on väännetty kieli poskella. Ensimmäisten trailereiden perusteella Puskala ja kumppanit ottivat kaiken irti UFO-uskovaisten tarinoista natsien salaisesta tukikohdasta Etelämantereella ja heidän paostaan Kuun pimeälle puolelle. Nämä toinen toistaan hullummat jutut ovat olleet erilaisten salaliittoteorioiden ja underground-sarjakuvien vakioaineistoa.

Satiiri on kuitenkin tunnetusti vaikea laji. Vuorensola ja käsikirjoittajat ovat varmasti joutuneet tekemään monta kompromissia muokatessaan yhä suuremmaksi matkan varrella paisuneesta produktiostaan suuren yleisön elokuvaa.

Vuorensola on myös onnistunut tässä pyrkimyksessä erinomaisten näyttelijävalintojen avulla. Elokuvassa ei ole yhtään maailmanluokan tähteä, vaan loistavia näyttelijöitä.

Pääosissa nähdään muun muassa saksalainen Julia Dietze ja saksalainen Götz Otto, joka on suomalaisillekin tuttu James Bond elokuvasta Huominen ei koskaan kuole ja ennen kaikkea Hitlerin viimeisistä päivistä kertovasta Perikadosta (Der Untergang).

Nykyisin australialainen Christopher Kirby on näytellyt muun muassa parissa Matrix-elokuvassa ja Tähtien sodassa. Saksalainen Tilo Brückner on Suomessa lähes tuntematon näyttelijäsuuruus, mutta miehen filmografia on pitkä kuin gorillan käsivarsi. Saksalainen Udo Kier ei varmaan Suomessakaan sen kummempia esittelyjä kaipaa.

Uusseelantilainen Stephenie Paul ja australialainen Peta Sergeant näyttelevät Yhdysvaltojen presidenttiä ja tämän vallanhimoista aseenkantajaa Vivian Wagneria (!) naisenergialla, joka on välillä varastaa koko show’n.

Elokuvassa puhutaan saksaa ja englantia, ja kieltä vaihdetaan sujuvasti lennossa. Se ei ole nuoren polven suomalaisille tekijöille ongelma. Kovempi pähkinä purtavaksi on Hollywoodin muovaama elokuvan kielioppi, josta ei voi kovin paljon poiketa ilman, että suuri osa meistä vähemmän lahjakkaista sukantallaajista putoaa kokonaan kärryiltä.

Saman ongelman kanssa tasapainoili varmasti esimerkiksi ranskalainen Luc Besson, kun hän ohjasi omaan käsikirjoitukseensa perustuvaa scifi-parodiaa The Fifth Element muinaisella 90-luvulla.

Toki Iron Skyn monet visuaaliset vitsit ovat tietokonepelin maailmasta, joka on tällaiselle ikävammaiselle yhtä tuttu kuin Kuun pimeä puoli.

Leffatykin haastattelussa tuottaja Tero Kaukomaa haarukoi leffan paikkaa genressä toteamalla, että siinä on saksalaisen Ronald Emmerichin The Independence Day –elokuvan massiivisuutta ja englantilaisen Stanley Kubrickin Tohtori Outolemmen satiiria.

Minusta Iron Sky muistuttaa eniten sekä hyvässä että pahassa hollantilaisen Paul Verhoevenin Robert A. Heinleinin samannimisen romaanin pohjalta ohjaamaa satiirista scifiä Starship Troopers. Tosin Iron Sky on näistä kahdesta se hauskempi, keskenkasvuisen poikamainen ja valloittavalla tavalla hölmö juttu.

Kirjailija Johanna Sinisalon ansiota lienee se, että nörttisukupoven huumoria pullistelevassa komediassa myös naisten emansipaatiota käsitellään vähemmän ortodoksisella tavalla. Tamperelaispoppoon leffassa mimmit ovat rautaa ja miehet puuta.

Samuli Torssosen animaattorit ovat tehokkailla kotitietokoneilla tehneet efektejä, jotka näyttävyydessään vetävät vertoja lajityypin amerikkalaisille, suuren budjetin esikuville. Se on hieno saavutus, kun tiedetään, että elokuva on toteutettu Hollywoodin mittakaavassa todella pienellä 7,5 miljoonan euron kengännauhabudjetilla.

Tekijöillä ja elokuvalla on omat kiihkeät faninsa verkossa. Facebookissa riittää tykkääjiä pilvin pimein. Iron Sky on meille suomalaisille jollakin tavalla tärkeä leffa. Maailmanlaajuiselle yleisölle se jää kuitenkin todennäköisesti yhdeksi lajityypin edustajaksi monien samanlaisten joukossa.

He eivät asu enää täällä

1.4.2012 kello 14:15, kirjoittaja: saarela
Eero Aho ja Katariina Kaitue näyttelevät näytelmän toista pariskuntaan, Erikkiä ja Annaa. Kuva Stefan Bremer/Kansallistetatteri

Eero Aho ja Katariina Kaitue näyttelevät näytelmän toista pariskuntaan, Erikkiä ja Annaa. Kuva Stefan Bremer/Kansallistetatteri

Käsikirjoittajana Paavo Westerberg tekee psykologista draamaa tutuista aineksista. Viha ja rakkaus, petos ja syyllisyys ovat tällaisen tarinan vakioelementtejä. Elämän rajallisuus, kaikkien tunteiden reunaehdot saadaan kuvaan mukaan, kun näyttämölle talutetaan myös Kalmiston Nestori. Eikä mikä tahansa kuolema, vaan se pahin kaikista, oman lapsen kuolema.

Uuden vuosituhannen todellisuuteen Westerberg kiinnittää tarinansa ottamalla hengiltä kahden keski-ikäisen pariskunnan aikuisuuden kynnykselle ehtineet lapset syyskuun yhdentenätoista, eli saman päivänä, jolloin Osma bin Ladenin johtamat terroristit iskivät New Yorkiin ja Washingtoniin Yhdysvalloissa.

Kirjoittajan omien sanojen mukaan näytelmä kuvaa keskiluokan ihmisten turvattomuutta. Niinpä.

Tarinaa kuoritaan auki kuin sipulia. Molempien pariskuntien salaisuuksia puretaan pala palalta. Kaikki tarinan neljä aikuista ovat reagoineet kukin omalla tavallaan heitä kohdanneeseen onnettomuuteen.

Westerbergin näytelmän ongelma on siinä, että sen henkilöhahmot ovat vähän turhan kirjallisia. Tarinan käänteistä puuttuu psykologista uskottavuutta. Tämän takia myös näytelmään jää lievä paperin maku, vaikka Westerbergillä on ohjaajana ollut käytössään loistavia näyttelijöitä.

Eikä kokonaisuutta pelasta edes se, että käsikirjoittaja-ohjaaja heittää joukkoon mausteeksi vähän rakettitiedettäkin. Tarinan älykkö Erik (Eero Aho) puhuu ensimmäisessä näytöksessä kosmologian viimeaikaisista saavutuksista uskossa vahvan hartaudella ja kiihkolla.

Pirjo Määttä ja Kristo Salminen näyttelevät tarinan toista pariskuntaa, Helenaa ja Paulia. Kuva Stefan Bremer/Kansallisteatteri

Pirjo Määttä ja Kristo Salminen näyttelevät tarinan toista pariskuntaa, Helenaa ja Paulia. Kuva Stefan Bremer/Kansallisteatteri

Tämä on tietenkin hieman yllättävää, koska Westerbergillä on kovia näyttöjä käsikirjoittajana. Hän ollut tekemässä muun muassa Arto Halosen ohjaaman Prinsessa elokuvan käsikirjoitusta ja on yksi takavuosien Irtiottoja televisiosarjan käsikirjoittajista.

Ehkä tiimityöhön tottunut Westerberg olisi kaivannut näytelmän muokkausvaiheessa rinnalleen pätevää dramaturgia työparikseen.

Mikään paha maa ei Westerbergin keskiluokkainen Suomi ole. Tarinan neljästä roolihahmoista kolme on loppupelissä selviytyjää, ja vain yksi heistä päätyy lopullisesti katatonisessa tilassa psykiatriseen sairaalaan.

Koska kysymyksessä on juonellinen draama, tämän enempää tarinasta ei tässä kannata kertoa. Teatterikokemuksena se kuuluu niihin näytelmiin, jotka unohtaa melkein saman tien teatterista ulos astuttuaan.

Änkyttävä kuningas

31.3.2012 kello 10:02, kirjoittaja: saarela
Lionel Loguen muistelmiin perustuva David Seidlerin näytelmä kuvaa kahden hyvin erilaisen miehen ystävyyttä herkällä tavalla. Kuningas Yrjö kuudetta näyttelee Carl-Kristian Rundman ja itseoppinutta puheterapeuttia Pertti Sveholm. Kuva Tapio Vanhatalo/Helsingin kaupunginteatteri

Lionel Loguen muistelmiin perustuva David Seidlerin näytelmä kuvaa kahden hyvin erilaisen miehen ystävyyttä herkällä tavalla. Kuningas Yrjö kuudetta näyttelee Carl-Kristian Rundman ja itseoppinutta puheterapeuttia Pertti Sveholm. Kuva Tapio Vanhatalo/Helsingin kaupunginteatteri

Vuonna 1939 radioaalloilla kohtasivat demagogisena puhujana kokonaisia kansoja villinnyt Hitler ja Britannian änkyttävä kuningas Yrjö VI. Siinä tositarina, josta riittää aineksia suureen draamaan.

David Seidler kirjoitti tarinasta käsikirjoituksen Kuninkaan puhe sekä elokuvaa varten että näytelmäversion.

Helsingin kaupunginteatteri hankki Seidlerin näytelmän esitysoikeudet tuoreeltaan. Kari Heiskanen ohjasi näytelmän teatterin suurelle näyttämölle.

Seidlerin tarinan kehykset ovat suuret, mutta itse tarina koulukiusatun prinssin änkytyksestä ja kuninkaan ja itseoppineen australialaisen puheterapeutin Lionel Loguen ystävyydestä on yksilötason draama.

Valinnoissa ovat ilmiselvästi painaneet enemmän teatterin taloutta koskevat seikat kuin taiteelliset näkökohdat. Kuninkaan puhe istuu huonosti kaupunginteatterin suurelle näyttämölle.

Heiskanen on kompensoinut ohjauksessaan näyttämön väärää mittakaavaa korostamalla tarinan historiallisia ulottuvuuksia. Mika Ijäksen suunnittelemassa valaistuksessa Englanti taistelee yksin ylivoimaiselta näyttävää vihollista vastaan.

Heiskanen tuo näytelmässä myös korostetusti esille kruunusta avioliittonsa takia luopuneen kuningas Edvard VIII:n natsisympatiat. Hallitus pakotti Edvardin luopumaan kruunusta, kun hän nai kahdesti eronneen amerikkalaisen Wallis Simpsonin. Kyseessä oli aikansa mehevin skandaali, ja Seidlerin kirjailijana tekemän tulkinnan mukaan pariskunta haaveili paluusta valtaan Hitlerin avulla.

Elokuvan Kuninkaan puhe Seidlerin käsikirjoituksen pohjalta ohjanneen Tom Hooperin kotimassa puheet omien kuninkaallisten natsisympatioista eivät todennäköisesti edelleenkään herätä suuren yleisön sympatioita.

Englannissa ihmisen tausta ja luokka-asema paljastuvat heti, kun ihminen alkaa puhua. Kuninkaan puhe kuuluu niiden näytelmien joukkoon, joissa osa tärkeistä vivahteista häviää jo suomennoksen myötä.

Otsamikrofonit ja sähköinen äänenvahvistus etäännyttävät katsojaa entisestään tarinan henkilöistä.

Carl-Kristian Rundmanilla on sankariroolien näyttelemiseen sopivan korea riki. Rundmanin jäyhä olemus sopii hyvin muodollisen kasvatuksen saaneen kuninkaan rooliin. Tavallisen rahvaan edustaja ei saanut tulla viittä metriä lähemmäksi kuninkaallisen perheen jäsentä.

Se mikä Britanniassa on kasvatuksen tulosta, on meille suomalaisille ikään kuin luonnollista käyttäytymistä. Me kiusaannumme, jos joku tulee vaikkapa kassajonossa lupaa kysymättä nyrkinkantamaa lähemmäksi.

Pertti Sveholm näyttelee Lienel Logueta suurpuhujan volyymilla, joka laittaa epäilemään, ettei tämän Loguen isäukko pannut olutta missään Etelä-Australian Adeleidessa, vaan Etelä-Karjalan Lappeenrannassa.

Hooperin ohjaama elokuva keräsi neljä Oscaria. Helsingin kaupunginteatterissa Kuninkaan puheesta odotetaan yleisömenestystä. Kuninkaalliset kiinnostavat.

Tosin Kuninkaan puhe ei ole kuninkaallista loistoa säteilevä pukudraama, kuin käsiohjelman ulkoasu antaa odottaa.  Jo näytelmän luonteen takia kaikki muut roolit jäävät näytelmässä taka-alalle. Toki esimerkiksi Jari Pehkosen rennolla otteella tekemä Winston Churchill säväytti.

Laadukasta tekemistä Kuninkaan puhe  on viimeistä piirtoa myöten, kuten Helsingin kaupunginteatterissa on tapana. Erittäin informatiivinen käsiohjelma kannattaa ehdottomasti ostaa.

Lottovoittoa odottaessa

30.3.2012 kello 10:25, kirjoittaja: saarela
Eero Aho ja Esko Salminen ovat mahtvassa vedossa näytelmän Estragonina ja Vladimirinä. Kuva Stefan Bremer/Kansallisteatteri

Eero Aho ja Esko Salminen ovat mahtavassa vedossa näytelmän Estragonina ja Vladimirinä. Kuva Stefan Bremer/Kansallisteatteri

Nobel-kirjailija Samuel Beckettin näytelmää Godota odottaessa (En attendant Godot, esitetty aikaisemmin Suomessa nimellä Godot – huomenna hän tulee) on tapana sanoa absurdin teatterin merkkiteokseksi.

Beckettin näytelmä on samalla tavalla absurdi kuin vaikkapa kuvataiteen puolella venäläisen avantgardistin Kasimir Malevitshin kuuluisa Musta neliö tai musiikin puolella vaikkapa Igor Straviskin baletti Kevätuhri.

Godot on sisäisesti armottoman looginen ja tiukasti kiinni ajassa ja samalla ajaton, inhimillisen ajattelun kulminaatiopiste.

Beckett kirjoitti näytelmän vuonna 1947 ja tekstissä kuuluvat toisen maailmansodan synkät kaiut. Naiset synnyttävän jalat harallaan hautojen yllä ja tarinan antisankarit Vladimir ja Estragon näkevät viereisellä pelolla ruumiita.

Kansallisteatterin omien verkkosivujen mukaan Godota odottaessa on hilpeä näytelmä epätoivosta. Se on myös hyvin vangitseva teatterielämys, joka lukitsee katsojan mielen pitkäksi aikaa. Kokemus oli niin voimakas, että se sai kaiken muun samalla viikolla nähdyn ja koetun tuntumaan jotenkin merkityksettömältä.

Kielinerona Beckett tutki kielen ja samalla tietenkin ajattelun reunaehtoja ja mahdollisuuksia. Beckett on riisunut kielestä kaikki ne mielen laastarit, joilla me olemme pehmustaneet omaa psyykeämme olemassaolon aiheuttamaa ahdistusta vastaan.

Myös juoni ja tarina on hylätty turhina lisäkkeinä.  Elämä on toki ajallisesti matka kehdosta hautaan, mutta sen tarkoitusta ei voi päätellä minkään annetun tehtävän kautta. ”Mitään ei tapahdu, kukaan ei tule, kukaan ei mene, tämä on kauheaa.”

Näytelmässä kaksi elämän kolhimaa kulkuria Vladimir (Esko Salminen) ja Estragon (Eero Aho) odottavat ristiä muistuttavan kitukasvuisen puun alla salaperäistä herra Godota. Tuskainen odotus saa uusia muotoja, kun paikalle ilmestyy kaksi ohikulkijaa, herrat Pozzo (Hannu-Pekka Björkman) ja Lucky (Janne Reinikainen).

Beckett marssittaa näyttämölle järjen ja tunteet, eikä katsojalle jää epäselväksi, kumpi vetelee naruista ja heiluttelee hirmuhallitsijan ruoskaa.

Kielen ja siten myös ajattelun rajat tulevat nopeasti vastaan, kun Lucky laitetaan käskystä esittämään ensin tanssia ja sitten ajattelua.

Pozzon omahyväisessä ja ylimielisessä olemuksessa muuttuu lihaksi ihmisen vahva usko. Katsoja ei oikeastaan hämmästy, kun Pozzo toisessa näytöksessä muuttuu yllättäen sokeaksi.

Ihminen on lihaa ja verta. Tästä Beckett muistuttaa muun muassa kohtauksella, jossa Pozzo ahmii kanaa. Ihmisen pitää syödä, juoda ja ulostaa.

Estragonille jää murusia häntä rikkaamman pöydästä. Ruumiillisuutta korostaa tietenkin myös puun alla Godota odottavan kaksikon yllä leijuva väkivallan uhka, joka tulee esiin, kun Estragon puhuu kokemuksistaan ja tulevaisuuteen kohdistuvista peloistaan.

Estragon on elämän murjoma pessimisti ja Vladimir ikuinen optimisti, jota vastoinkäymiset eivät lannista.

Ahon ja Salmisen vuoropuhelu näyttämöllä on kuin balettia tai oikeammin verbaalista slapstick-komiikkaa, ajoituksen tarkkuudessa lähes täydellistä. Näin upeaa näyttelijäntyötä seuraa katsomosta välillä henkeään pidätellen.

Björkman ja Salminen ovat suomalaisen teatterin kiintotähtiä. Minulle oli uutta se, miten hieno ja laaja-alainen näyttelijä Aho on. Päivänäytöksen Estragon muuttui vielä samana päivänä iltanäytöksen Erikiksi, Paavo Westerbergin näytelmässä He eivät asu enää täällä, eikä näitä kahta hahmoa näyttämöllä meinannut millään uskoa saman miehen tulkinnoiksi.

Godata odottaessa on näyttelijöiden teatteria. Arto af Hällströmillä on ollut oikea unelmajoukkue tekemään näytelmää, jossa mahdottomasta tehdään taidetta.

Ohjaajan panos on tietenkin tässäkin näytelmässä se ratkaisevan tärkeä elementti, ja af Hällström on lähtenyt purkamaan Beckettin tekstiä pohjia myöten kääntämällä sen uudestaan nykysuomeksi.

Sen perusteellisempaa analyysia jonkun toisen kirjoittamasta näytelmätekstistä tuskin voi tehdä. Irlantilainen Beckett kirjoitti näytelmän ranskaksi ja käänsi sen itse myöhemmin omalle äidinkielelleen englanniksi. Beckett vaihtoi kirjoituskielensä ranskaksi, poistaakseen kielestä äidinkieleen liittyviä turhia tunnepuolen painolasteja.

Ainakin katsoja vakuuttui siitä, että af Hällström tietää, miten Beckettiä pitää tulkita. Kansallisteatterin Godota odottaessa on varmasti yksi merkkipaalu pitkän ja hienon uran tehneen ohjaajan uralla.  Se on mestariteos.

Beckett kirjoitta Godota odottaessa -näytelmän ikään kuin oman mielensä kevennykseksi ja vakavien töiden vastapainoksi. Silti se on kokonaisuus, josta ei voi lohkoa paloja pois särkemättä koko järkälettä. Näytelmän muoto ja jopa lavastuksen monet yksityiskohdat tulevat annettuina.

Katri Rentto, Anna Sinkkonen, Aslak Sandström ja Heikki Nylund ovat onnistuneet näytelmän skenografiassa nappiin. Sinkkosen puvut ja Nylundin naamiointi tuovat hakematta mieleen vanhat historialliset kuvat 30-luvun suuresta lamasta, jonka kaikuja Beckettin roolihenkilöiden epätoivo varmasti heijastaa.

Samuel Beckettin Godota odottaessa on nyt ilmestynyt Kansallisteatterin kirja -sarjassa Arto af Hällströmin uutena suomennoksena. Kirjaan sisältyy runoilija Aki Salmelan esipuhe, joka käsittelee näytelmän tematiikkaa ja syntyvaiheita.

Naisen paikka

25.3.2012 kello 10:45, kirjoittaja: saarela
Wanda Dubiel on näytelmän 38-vuotias geenitutkija Kristiina Suxén  ja Samuli Niittymäki hänen 17-vuotias poikansa. Kuva Tuomo ManninenNiittymäki) äiti. Kuva Tuomo Manninen

Wanda Dubiel on näytelmän 38-vuotias geenitutkija Kristiina Suxén ja Samuli Niittymäki hänen 17-vuotias poikansa. Kuva Tuomo ManninenNiittymäki) äiti. Kuva Tuomo Manninen

Käsiohjelmassaan painetussa haastattelussa Katja Krohn kertoo uskostaan luonnonsuojeluun.

Se käy jonkinlaisesta synninpäästöstä. Vahva usko ja terve järki eivät kulje käsi kädessä. Argumentaatio menettää merkityksensä. Usko ei johda ymmärrykseen, vaan epäilyyn.

Kansallisteatterin Pikkujättiläisessä Krohn huutaa sekä käsikirjoittajana että ohjaajana hätäänsä maailma tilasta. Finanssikapitalismi ja tiede ovat molemmat ilmestyskirjan petoja, joiden selässä ihmiskunta on kovaa kyytiä laukkaamassa kohti perikatoa.

Meidän elämäntavastamme on tullut kultainen vasikka, jonka alttarille olemme valmiit uhraamaan omat lapsemme ja heidän tulevaisuutensa.

Näin  se menee.

Krohn kuvaa ihmistä ja maailmaa yhden yksilön Kristiina Suxén (Wanda Dubiel) kautta. Suxén on uranainen, tohtorikoulutuksen saanut geenitutkija, joka näytelmän alussa saa työpaikan kansainvälistä läpimurtoa yrittävässä suomalaisyrityksessä.

Ulkomaankomennuksen saavan Suxén kotijoukkoihin kuuluu mies (Antti Pääkkönen), koulupudokkaaksi hyvää vauhtia ajautuva teini-ikäinen poika, Karo (Samuli Niittymäki)  ja arkkitehtimiehen kouluikäinen poika Eino.

Uusperheessä siis eletään.

Kysymykset tieteentekijöiden vastuusta ja moraalista ovat kiinnostavia ja esimerkiksi molekyylibiologian saralla erittäin ajankohtaisia.

Krohn ei kuitenkaan saa mitään uutta irti tästä aihealueesta. Geenimuuntelun huippuammattilaisena Suxén onnistuu katsojan ennakko-odotusten mukaisesti luomaan koeputkessa hirviön, joka pääsee valloilleen ihmisten lyhytnäköisen ahneuden ja piittaamattomuuden takia.

Yksilötasolla maailman lasten kohtalon allegoriana toimii Suxénin pojan kohtalo. Krohnin näkemys on analyyttinen. Lasten psyykkiset vaikeudet ovat aina viimekädessä äitien syytä.

Jääkaappiäidin Suxénista tekee tietenkin hänen kunnianhimonsa. Äiti teoillaan syö oman lapsensa, kuten Krohn käsiohjelmassa kiteyttää. Teknokulttuuri, kerskakulutus ja jatkuvaan kasvuun pakotettu talous johtavat siihen, että maaäiti joutuu lopulta syömään omat lapsensa.

Näytelmän loppuhuipennuksessa Karo saa surmansa Brysselissä puhjenneessa mellakassa taistellessaan sankarillisesti oman äitinsä luomaa hirviötä vastaan.

Pikkujättiläinen on periaatteessa hyvin vakava draama, mutta katsojan onneksi sen kevennykseksi riittää ehtaa camp-huumoria.

Dubielin tulkitsema Kristiina Saxén on näytelmän ainoa oikealta ihmiseltä tuntuva roolihenkilö. Muuta hahmot ovat tavallaan vain tämän yhden ihmismielen heijastumia.

Vaikutelma johtuu todennäköisesti ensisijaisesti näytelmän rakenteesta. Toisaalta se on myös Krohnin näytelmän ehkä kiinnostavin ulottuvuus. Pikkujättiläinen on Krohnin mukaan well made play, siis jonkinlaisen täsmäkirjoittamisen tulos.

Sanottavan painavuus pakottaa tietenkin huutamaan näyttämölle ja lisää volyymia dialogiin saadaan sillä, että välillä, oikeastaan aika usein myös kuiskataan.

En tiedä, onko Kansallisteatterin piennen näyttämön kuudennen penkkirivin kohdalla niin kutsuttu akustinen loukku (sellainen löytyy ainakin Lahden kaupunginteatterin suren näyttämön katsomosta), mutta vuorosanoista oli välillä vaikea saada selvää.

Kuulemisvaikeuksia ei myöskään vähentänyt Teppo Järvisen massiivinen lavastus, jonka avulla kohtaukset siirretään tilasta toiseen näyttävästi ja melkoisella metelillä.

Pikkujättiläinen kantaesitettiin Kansallisteatterissa joulukuun alussa. Voi siis olla että näyttelijät ovat myös jollakin tavalla väsyneet sen esittämiseen.

Epäilen kyllä vahvasti, että kaikki eivät ole luottaneet ihan sataprosenttisesti Krohnin tekstiin ja ohjaukseen alunperinkään.

Onko peilin vika, jos naama näyttää vinolta?

19.3.2012 kello 7:26, kirjoittaja: saarela
Turo Marttila (vierailija) näyttelee Hevosen tarinassa nuorta Matti Virtasta. Kuva Ari Nakari

Turo Marttila (vierailija) näyttelee Hevosen tarinassa nuorta Matti Virtasta. Kuva Ari Nakari

”Ihminen on se miksi tekeytyy ja niinpä on syytä olla tarkkana miksi tekeytyy.”

Howard W. Campbell Jr.

(Kurt Wonnegut, Äiti yö)

Hevosen tarinan käsiohjelmassa Lauri Maijala kirjoittaa ohjaajan sanaa tavalla, joka laittaa ravintoketjun tässä päässä pakertavan kadehtimaan Anton Tšehovin ja Jean Sibeliuksen ohella hieman myös Maijalaa. Pojalla on sana hallussaan.

Maijalan keskeinen tyylikeino myös käsikirjoittajana ja ohjaajana on ironia. Jo käsiohjelma kuitenkin paljastaa, että tämä ironia on sitä lempeää sorttia. Maijala on pienen ihmisen asialla, vaikka tämän ihmisen pienuus varsinkin peiliin katsoessa välillä niin sanotusti hatuttaa.

Iltasanomissa oli jokin aika sitten juttu, jossa saattohoitajalta kysyttiin, mitä ihmiset eniten katuvat kuoleman kynnyksellä. Hoitajan mukaan kuoleva ihminen katuu liikaa työntekoa, elämätöntä elämää ja jatkuvaa stressiä tulevasta. Siinä Maijalan ja toisen käsikirjoittajan Jari Juutisen motto

Kaikista taiteen muodoista teatteri muistuttaa ehkä eniten oikeaa elämää. Oikea elämä on alkanut puolestaan muistuttaa yhä enemmän teatteria tai sirkusta. Tässä turboahdetussa suoritusyhteiskunnassa jopa kuolemisesta on ilmiselvästi tulossa suoritus, josta pitää selvitä tyylikkäästi kasvojaan menettämättä ja vaippa kuivana.

 

Maijalan ja Juutisen Leo Tolstoin novellin pohjalta kirjoittama Hevosen tarina kuvaa terävästi sitä todellisuutta, jossa me luulemme elävämme. Meillä on monta roolia, ja useimmista niistä me joudumme näyttelemään täysin amatööripohjalta, vaikka käsikirjoitukset ja näytelmän virtuaalilavastuksen ovat tehneet ihmisten manipuloinnin ammattilaiset.

Tätä todellisuutta ei pääse pakoon edes vetäytymällä korpeen pottuja viljelemään. 

Tässä on Hevosen tarinan punainen lanka. Lisäksi löytyy myös vihreä, sininen ja keltainen lanka sekä pari sysimustaakin nuoranpätkää ikään kuin narun jatkoksi.

Esityksen kerroksellisuus ja sirpaleisuus aiheuttaa tietenkin katsojalle päänvaivaa, mutta siitä riittää toisaalta myös märehdittävää aivoille pitkäksi aikaa. Maijala ja Juutinen ovat onnistuneet pakkaamaan yhteen näytelmään hämmästyttävän määrän asiaa aina ikärasismista alkaen 

 

Lappeenrannan kaupunginteatterin esitys on joka tapauksessa hykerryttävän hauska. Maijala lainaa ja varastaa kohtauksia ja hahmoja muista näytelmistä sen kun kerkiää. Myös tyylilajia vaihdetaan lennossa slapstick-komediasta pateettiseen oopperamukaelmaan. Vanhoja tuttuja tulee vastaan yhtä mittaa.

Maijala on teatterisuvun vesa, joka on varmasti nuoresta iästään huolimatta nähnyt teatteri enemmän kuin mikään laki määrää. Eikä vain teatteria. Esimerkiksi Samuli Punkan upeasti näyttelemä uudestisyntynyt Charles Chaplin ei ilmesty näyttämölle sattumalta.

Epäilen vahvasti, että Monty Pythonin velmut tekijät ovat ainakin hengessä mukana. Tai ainakin Maijalan kekseliäisyys on sukua luovuudelle, jolla Graham Chapman, John Cleese ja kumppanit mullistivat television ilmaisua. Maijala päivittää teatteri-ilmaisua 2010-luvulle.

 

Kohtaukset vedetään täydellä volyymilla nupit kaakossa. Suvantopaikat syntyvät kohtausten loisteliaasta ajoituksesta. Maijalalla on kyky luoda näyttämölle mielenmaisema, jossa tällaisen hämäläispojankin kiukkuinen mörököllisielu lepää.

Esityksen sijoittamin näyttämölle rakennetun apukatsomon avulla keskelle yleisöä on toimiva ratkaisu. Se oli omiaan lisäämään esityksestä välittyvää vahvaa läsnäolon tuntua. Samaa tarkoitusta palvelee taitavasti käytetty musiikki.

Maijalan ja Jari Juutisen teksti on täpötäynnä ”rasittavia” kliseitä. Vahoille hokemille annetaan kuitenkin kuin vaivihkaa ihan uusia merkityksiä. Esimerkiksi käy vaikka pakollinen Kristian Smeds –sitaatti. Hesarin haastattelussa Smeds kertoo lähes vuoden kestäneistä 12 Karamazovia -esityksen harjoituksista ja koulutusproduktiosta, jotka hän veti tarttolaisten opiskelijoiden kanssa.

”Oletko apina vai soturi?” Maijalan vastaus tähän kovassa käytössä jo kliseeksi muodostuneeseen kysymykseen on tietenkin kyllä ja kyllä.  

 

Näytelmän teatterijohtajalle (Sami Lanki) kirjoitettu ylipitkä monologi on luonteeltaan ilmiselvästi manifesti. Kun sanottava on kyllin painavaa ja sanomisen tarve pakottava, esityksen muoto ei voi asettaa rajoja sisällölle. Tämä on myös katsojan kestettävä.

No yhden myönnytyksen käsikirjoittajakaksikko on tehnyt lappeenrantalaiselle nurkkapatriotismille. Kyseenalaisin keinoin uraansa rakentanut näyttelijäsuuruus Holstomer alias Matti Virtanen ei ole kotoisin Lappeenrannasta vaan Keravalta. Siperia opettaa, tai tässä tapauksessa pikemminkin Leningradin kohtalosinfonia.

 

Hevosen tarinassa näytellään jälleen aivan upeasti. Porukalla on henki päällä. Hevosen tarina on jo kolmas hienosti onnistunut produktio Lappeenrannassa tällä esityskaudella. Teatteri on ilmiselvästi positiivisessa kierteessä.

Pitkän uran tehnyt Reijo Kanerva jää vanhuuseläkkeelle syksyllä. Vaikea kuvitella hienompaa tapaa lopettaa yli 40 vuotta kestänyt aktiiviura näyttämöllä kuin se, että on ollut mukana kolmessa huikean hienossa produktiossa perä perää. Kanerva on näytellyt sekä jumalaa että hovinarria ja nyt viimeksi tavallista ihmistä, joka alkaa mäkihyppytermein valmistautua huikean elämänkaaren jälkeen loppuliukuun mäkimontun pohjalle.